Alberto Durero, Persona tambien.

La completa biografía de Alberto Durero no la voy a relatar aquí, estoy seguro que a cualquiera que le interese la mirará en la wikipedia o similar, con cuatro datos supongo sea más que suficiente.
Nacio en Nuremberg, allá por el año 1471 y comenzó su aprendizaje con su padre, orfebre de profesión.



Dado su origen humilde, era bastante complicado en la época dedicarse a cualquier faceta artística, pero, y aquí esta la Gran Historia de Durero, un hermano suyo, para facilitarle económicamente su trayectoria, siendo apenas un niño, entró a trabajar en las minas, hasta descoyuntarse varios dedos, acompañado por si fuese poco de una importante artritis, hasta quedar sus manos inservibles. Este hermano también deseaba ser pintor.

Como pequeño homenaje a su hermano, dibujo este impresionante “Estudio de Manos” en 1508.
Ver la obra de Durero impresiona, por suerte he tenido la oportunidad de ver varias, principalmente grabados, el conejo, su famoso autorretrato y un retablo de la Adoración. Pero cuando miraba sus Obras no estaba viendo el cuadro en sí ..... mi mente “traducía” la visión a sentimientos, al dolor de su pobre hermano, jodido y bien jodido en aquellas jodidas minas y a su hermano Alberto llorando al enterarse de los problemas de salud de quien quiso ayudarle en el silencio de la jodida mina. Observar la maestría necesaria para dibujar semejante obra.

Las Tribus de l'OMO

En las fronteras lejanas de Etiopía, muy remoto de la modernidad, tan allá de nuestro acelerado mundo, el fotógrafo Hans Sylvester hizo un trabajo, registro antropológico, de las tribus que existen alrededor del rio Omo.

 

La región es un gran valle situado en el borde de la triple frontera entre Etiopía, Sudán y Kenia. Esta garganta se extiende hasta la región del Rift, que se está separando geológicamente del continente africano.

El desfiladero es una zona donde hubo muchos volcanes y las laderas desfiguradas por la erosión han creado grandes sedimentos de rocas y barros pigmentarios.

El ocre caolín, el caolín blanco, el verde del cobre oxidado, las cenizas que van desde le negro al blanco pasando por toda la gama de grises, los amarillos luminosos, han hecho de esta parte del mundo una paleta de autor, que se usa para embellecer caras, rostros, cuerpos de ancianos, de niños, de hombres y mujeres de las tribus del rio Omo.

Ellos llevan el genio de la pintura en su raza,  en sus genes anda el diablo de la creación, que les viste con los más diversos colores.

La fuerza de su arte se resume en 3 palabras: dedos, velocidad y libertad.

“Dibujan con las manos abiertas, con sus uñas, a veces con un palito de madera ó ayudados por unas hojas y unas palmas.

Sus gestos para pintar son rápidos, espontáneos y va más allá de la infancia y de lo que buscan los maestros de la pintura contemporánea, dice Sylvester para describir el arte que ha vivido y que ha registrado a través de su lente

Se nota que en esta población hay un amor a su cuerpo, a sus desnudeces adornadas. La relación es seducir a través del color. En ellos, comenta Hans, la vida es un juego perenne y un placer indiscutible

Las fotos dejan ver que sus dedos se hundieron en la tierra y a los minutos el milagro de un pubis pintado, de un pene coloreado, de una cara haciendo el milagro de traducir la naturaleza y su entorno en sus cuerpos.

Me enviaron este Pps y lo vi tan cromático, tan lleno de belleza que no pude desde que lo vi dejar de pensar en compartirlo con ustedes, me gusta el color, me gusta el arte y me gusta la gente y la fisionomía humana, la imaginación sin limites y la belleza y todo esto lo encontré aquí manifestado de manera única y magistral, espero lo disfruten.

Afrodita.

Toulouse-Lautrec....!!!!

El linaje nobiliario de los Toulouse-Lautrec es uno de los más antiguos y notorios

de Francia. En su seno, y en su castillo "del Bosc", en Albi, nació el primogénito del conde Alphonse Charles de Toulouse-Lautrec Monfa y su esposa Adele Marquette Tapié de Céleyran. El conde y la condesa eran primos, consagrando una larga tradición de consanguinidad en la familia que resultaría fatal para el pequeño Henri. En 1878, a los catorce años, se rompe el fémur izquierdo al caerse en el palacio familiar y, al año siguiente, otra desafortunada caída supone la fractura del fémur derecho. La deficiente calcificación -debida, al parecer, a las consecuencias de la consanguinidad- impide que las fracturas suelden adecua-damente, y sus piernas ya no crecerán más: "El tronco, que era el de un hombre de estatura normal -escribIó años después Thadée Natanson- parecía haber aplastado con su peso y el de la gran cabeza las cortas piernas que apuntaban por debajo".

EL ESTUDIO DE CORMON

La deformidad fue una fuente constante de infelicidad y amargura para Toulouse, y le llevaría al agudo alcoholismo que a la postre fue causa de su temprana muerte.

Ya antes de los dos accidentes era un niño enfermizo, por lo que buena parte de su educación se realizó con preceptores privados.

Su interés por el dibujo y la pintura se remonta a la infancia. De hecho, su padre, sus tíos y varios antepasados recientes eran tan aficionados a la caza como a la pintura. Su formación empieza en 1882 con Princeteau, un pintor animalista amigo de su familia, que le aconseja inscribirse en el estudio del pintor académico Léon Bonnat. Allí se ejercita, sobre todo, en la disciplina del dibujo, pero Bonnat clausura sus cursos y Toulouse decide entrar en la academia privada de Cormon en 1883. Allí coincide con algunos pintores de su edad que intentan desarrollar el legado impresionista, sobre todo con Émile Bernard y Vincent van Gogh, del que hace un retrato y con el que traba gran amistad. Un año después abandona el estudio de Cormon y se instala en la Rue Fontaine, en el mismo edificio en el que trabajaba Degas. Aunque la estancia en la Rue Fontaine es breve, el contacto con la obra de Degas resulta definitivo para la orientación de su obra.

BOHEMIA EN MONTMARTRE

Por estos años, Toulouse empieza a frecuentar los cabarets y cafés cantantes de París y se familiariza con la bohemia artística polarizada en torno a Montmartre. Los cuadros de 1886 y 1887 empiezan a acusar su interés por los temas que le harán famoso, así como una pincelada fragmentada y nerviosa que delata sus contactos con el incipiente posimpresionismo. Sólo participa en exposiciones colectivas en París y provincias -a menudo con seudónimo- hasta que, en 1888, es invitado a participar en la de Los Veinte en Bruselas; este grupo, similar a las se cesiones austriacas y alemanas, acogía las más avanzadas tendencias de la pintura y las artes industriales en toda Europa. Toulouse será asiduo de sus exposiciones anuales hasta 1897, .cuando el grupo había pasado a denominarse La Libre Esthétique, certificando así sus vinculaciones con el modernismo. Sus éxitos en Bélgica y la amistad con su hermano le valen el interés de Theo van Gogh, que toma en depósito algunos cuadros para las galerías Baussod & Valadon y Goupil, para las que trabaja sucesivamente. Lautrec seguirá vinculado a esta última galería, gestionada después por su amigo de infancia Maurice Joyant.

MOULIN ROUGE

En 1889 se inaugura en París el Moulin Rouge, que expone junto a su puerta una escena de circo pintada por Toulouse. El nombre del pintor y el del cabaret quedarán unidos en el cartel que el primero realiza para el establecimiento en 1891. Ya aparece en él la Goulue, su bailarina estelar, cuya figura se reitera en otros cuadros y carteles. Todavía en 1895, cuando en plena decadencia se establece en una barraca en la Foire du Tróne, será Toulouse el encargado de decorarla.

Todas las grandes estrellas del cabaret y el café concierto en París desde 1890 aparecen en la obra de Lautrec, aunque las más habituales fueron Jane Avril -la

que más apreciaba su obra- e Yvette Guilbert, a la que consagró un álbum entero de litografías en 1894. Además del Moulin Rouge, Lautrec frecuentó otros locales, como el Jardin de Paris o el Divan Japonaise. Tampoco hay que olvidar a Aristide Bruant, un

cantante de tendencias anarquistas que le introdujo en el mundo de Montmartre y para el que realizó algunos de sus más célebres carteles. Los espectáculos nocturnos de mala nota y los burdeles no monopolizan, sin embargo, la vida y la obra del pintor.

Sus éxitos en Los Veinte de Bruselas le llevan a exponer en el Royal Aquarium de Londres; allí el pintor Whistler, al que conocía de París, le presenta a Oscar Wilde. Ese mismo año inicia su amistad con los hermanos Natanson, fundadores de la Revue Blanche, una revista fundamental para la escena artística parisina de los años del cambio de siglo en la que se dieron a conocer los pintores nabis -Bonnard, Vuillard, Valloton-; Lautrec colaboró en sus páginas y participó en algunas de las exposiciones celebradas en torno a ella. En paralelo a su obra pictórica desarrolla una abundante y excelente producción litográfica, que simultanea con carteles publicitarios y trabajos editoriales.

EL ESTILO DE LAS ÚLTIMAS OBRAS

En 1897 sufre su primer ataque de delírium trémens, que le lleva a disparar con un revólver contra imaginarias arañas. Las crisis alcohólicas se suceden desde entonces y lo llevarán a ser internado dos años después; para demostrar que no está loco realiza de memoria toda una serie de litografías sobre el circo.

Los dos últimos años de su vida suponen un sorprendente cambio de estilo hacia una paleta más oscura y empastada. Su éxito comercial venía siendo creciente desde la

exposición individual en Goupil de 1896, aunque nunca eso le preocupó demasiado. El deterioro progresivo de su salud lo lleva en 1901 al castillo de Malromé, donde queda al cuidado de su madre, que lo acompañó en su lecho de muerte. Ella fue quien, tras el fallecimiento de su hijo, recopiló buena parte de la obra que hoy se conserva en el Museo Toulouse-Lautrec de Albi.

Su amigo y marchante Joytan sería el encargado de organizarlo para su inauguración, en 1922.

Tomado y condensado de :

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/lautrec.html

Fotos pilladas de internet.:)

Afrodita.

Armando Reverón, el pinor de la luz...!!!

El 10 de mayo de 1889 nace en Caracas Armando Julio Reverón, hijo de Julio Reverón Garmendia y Dolores Travieso Montilla. Tras el fracaso del matrimonio de sus padres, el pequeño Armando es enviado a la ciudad de Valencia, al hogar de los Rodríguez-Zucca, unos esposos de origen canario que lo reciben y forman durante los primeros años de su vida. En la capital carabobeña, Reverón cursa primaria con los padres salesianos y da sus primeros pasos en la pintura de la mano de su tío, el pintor Ricardo Montilla, que con sus enseñanzas reafirma la vocación artística del muchacho. Las paredes de la casa eran algunos de los primeros lienzos de Reverón, donde éste intentaba retratar a la sirvienta de la familia, Juanita Carrizales. Los Rodríguez –Zucca le contaban a doña Dolores sobre el temperamento "triste, irascible y melancólico" de su hijo Armando. Entre los 12 y 13 años, sufre de Tifus, lo que para muchos lo afectaría psíquicamente por el resto de su vida.

En 1904, junto a su madre, Reverón se muda a la casona donde nació Francisco de Miranda, convertida en pensión, y allí conoce al joven pintor César Prieto, quien lo convence de inscribirse en la Academia Nacional de Bellas Artes, dirigida para entonces por Emilio Mauri.

En 1910, instalado con su madre en una pensión de Torres a Matrices, Armando disfruta de las ventas de frutas y legumbres, le apasiona la plaza del mercado, nacen sus naturalezas muertas. Al año siguiente, su rendimiento en la Academia Nacional de Bellas Artes merece la postulación de los profesores para una pensión de estudios en Europa. A finales de 1912 regresa a Venezuela, según se cuenta, sin dinero. Pinta el retrato de Enrique Planchart. Tras una corta estadía vuelve a España. Se inscribe en la Academia de San Fernando de Madrid en los cursos de Antonio Muñoz Degrein y José Moreno Carbonero, extravagante pintor maestro de Dalí. Estando en París, acogido por Fournier y la esposa de éste, Clotilde Pietro de Daudat, Reverón rechaza las obras de los creadores que están boga en la ciudad. No despiertan interés en él los trabajos de artistas como Cézanne, Picasso, Chagal o Modigliani. "O me mandan a buscar o me tiro al Sena", escribe Armando a su madre.

En el año de 1917 Conoce al pintor ruso Nicolás Ferdinandov, quien le brinda consejos que determinarían su futuro: conseguirse algo de dinero, comprar una vivienda que le permitiera aislarse y compartir su vida con una mujer humilde. Reverón pinta los primeros paisajes que definirían su período azul.

El artista conoce a una mujer llamada Juanita, con quien compartirá el resto de su vida, convirtiéndola en su compañera, modelo y cómplice. En 1920 Reverón expone en los salones de la antigua Universidad Central de Venezuela. Las obras, doce óleos que muestran sus primeros temas sobre Macuto, comparten espacios con los trabajos de Federico Brandt, Rafael Monasterios y del carismático Ferdinandov, quien aseguraba que Reverón era el dios de los pintores. Un año después aparece "Paisaje de Macuto", un cuadro en el que el Armando Reverón comienza a mostrar un estilo propio, desprendiéndose de sus influencias.

Luego de varias mudanzas dirigidas por su deseo de aislarse, el artista compra un terreno al costado del río El Cojo en el litoral, donde se instala e inicia la construcción de la vivienda que lo alojaría durante los siguientes 33 años, hasta su muerte. Con el paso del tiempo, los lugareños bautizan la casa de Reverón como El Castillete. Continuando su búsqueda y definiendo su estilo propio el artista retira colores de su paleta. Pinta "Los uveros azules" y "La Trinitaria". En 1923 es víctima de una depresión cuando su amigo Ferdinandov decide marcharse a Curazao. Reverón vive una difícil situación económica, que apenas puede superar con una modesta ayuda de su madre.

Hacia 1924 nace lo que se considera como su época blanca. Reverón pinta "Fiesta en Caraballeda", una obra en la que el lienzo brinda su palidez como recurso plástico. "Playa con figura de mujer" consolida la expresividad del período.

"Oleaje" y "Playa de Macuto" son las únicas obras que se le conocen en el año 1926. El siguiente año pinta "Juanita", el primer óleo en el que retrata a su fiel acompañante. Con "Luz tras mi enramada", Reverón lleva a los límites su delirio de la luz.
A principios de los 30’s, aislado y a la caza de la luz, surgen sus primeros autorretratos. Alfredo Boulton organiza una exposición en el Ateneo de Caracas para ayudar al artista; sin embargo, se venden pocas obras, 200 bolívares es el mayor monto alcanzado por una de ellas. Años más tarde algunos de estos cuadros son expuestos en la galería Katia Granoff de París. Aquellos que un día costaron 200 bolívares fueron cotizados en 30.000 bolívares.

En la segunda mitad de la década trabaja con materiales de desecho que recupera en el Puerto de La Guaira. Utiliza soportes de coleto que incorporan a su obra tonos marrones, definiendo el período sepia en la trayectoria del artista. Crea sus muñecas para que ocupen el lugar de modelos que ya no puede pagar. Cerca de El Castillete, el artista construye un racho para alojar a su madre, anciana y enferma. Juanita se encarga de los cuidados de doña Dolores. El 2 de enero de 1942, muere doña Dolores. Reverón se sumerge en un profundo dolor y sufre un desequilibrio mental. Es atendido por el doctor J.A. Báez Finol. Dos meses después se recupera y vuelve a pintar; sin embargo, se aleja de los paisajes y la temática de sus cuadros recrea el mundo mágico en el que se refugia. Así comienza la etapa que lo consagraría como un verdadero precursor, si no el primer exponente, del expresionismo en estas latitudes.

En 1949, con la ayuda de Alejandro Otero, expone en el Taller Libre de Arte. Dos años después presenta su tercera exposición individual en el Centro Venezolano Americano. El Salón Oficial de Arte Venezolano le otorga en 1953 el Premio Nacional de Pintura, el primer reconocimiento a su obra. Al año siguiente, Reverón se refugia en El Castillete, retraído, solitario ante los ojos de la gente, siempre acompañado por sus muñecas y por un incondicional oyente, de luz y aire, que lo acompaña en sus recorridos por la playa. El artista es llevado nuevamente al sanatorio del doctor Báez Finol y fallece el 17 de septiembre de 1954.

Con motivo del centenario de su nacimiento, en 1989 se le rinden al artista numerosos homenajes en el país. La Galería de Arte Nacional organiza una exposición antológica y documental sobre su obra y se restaura en Macuto su casa, El Castillete, que actualmente alberga el museo que lleva su nombre.


LO QUE SE DICE DE REVERÓN

"Reverón es, sin la menor duda, el más grande de los pintores venezolanos y buena parte de la crítica que se ha ocupado de su obra se propuso explicar por qué ha de considerársele así. Pero además de su obra, su trayecto vital ha despertado una enorme curiosidad (Ö). La personalidad del pintor ha fascinado a los psiquiatras (Feldman, Rísquez, Rasquin) a partir de los informes del Doctor Báez Finol que lo trató en el sanatorio cuantas veces sufrió un desarreglo severo."
Rafael Arráiz Lucca
Escritor y poeta venezolano

"La obra de Reverón, en gran parte, expresa profundo erotismo visual, sensorial, con fijación carnal en la mujer. Esa atracción por las formas femeninas y los acercamientos vagamente lésbicos se advierten ya en los primeros cuadros que iniciaban su etapa de liberación"
Juan Liscano
Escritor venezolano

"Reverón fue un intuitivo, un hipersensible que sintió la luz y los colores y pintando a veces en el paroxismo de la demencia, lograba las más sorprendentes e inesperadas expresiones (Ö) Las líneas, los arabescos surgían en ritmo delirante y casi sin contenerse, se iba al Playón y de pie sobre las rocas salpicadas de olas, sujetaba la cintura por pesadas piedras para no perder el equilibrio (Ö) En esos momentos perdía todo sentido de juicioÖ"
Alfredo Boulton
Empresario y mecenas venezolano

"Un artista venezolano, Armando Reverón, captó la luz enceguecedora y la volvió pintura. (Ö) Reverón fue ante todo, un pintor latinoamericano que nos legó en su obra aquella atmósfera del litoral, que sólo otro artista genial, Gabriel García Márquez, tan caribe como él, ha logrado expresar en su literatura."
Elvira Cuervo de Jaramillo
Directora del Museo Nacional de Colombia

"°Y qué precursor ha sido Armando Reverón! En una época de arte latinoamericano, que pretendía asociar la obra al modelo, que desconfiaba del abstraccionismo, que todavía requería estrictas definiciones estéticas, el dueño de El Castillete y señor de Juanita subvertía y reinventaba la evolución pictórica. Él fue uno de los más grandes expresionistas de todos los tiemposÖ"
Marianne de Tolentino
Asuntos Internacionales del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo

http://www.mipunto.com/temas/2do_trimestre02/armando_reveron.html

*Su casa, que el pueblo guaireño bautizo como El Castillete, convertida en el Museo Armando Reverón en 1974, fue destruida en 1999 por el deslave que azotó al estado Vargas, y aún no ha sido reconstruida.

*En el 2007, el Moma (Museum of Modern Art) de Nueva York, realizó una gran exposición retrospectiva de Armando Reverón, que luego fue también traída a la sede de la GAN en la Plaza de los Museos.

Fotos extraidas de la red :)

Afrodita.

Caravaggio, Truan y Genio.

Cristo Muerto.

(Michelangelo Merisi; Caravaggio, actual Italia, 1571-Porto Ercole, id., 1610) Pintor italiano. Principal figura de la pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de segunda fila, Simone Peterzano, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas venecianos. De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar no sólo por su original enfoque de la obra pictórica, sino también por su vida irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos.
De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable. Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador.

La incredulidad de Sto. Tomás.

Desde el principio de su estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa.
Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo emblemático de esta primera etapa creativa El tocador de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la música. En estas primeras obras resulta ya evidente el empleo estético de Caravaggio de los juegos de luces y sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores del artista.

La cena de Emaús, (esta de encima) una de sus obras maestras, caracterizada por suntuosos tonos oscuros, sombras envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala el comienzo del período de madurez del artista, quien se decanta abiertamente por la temática religiosa y trabaja por encargo de los grandes comitentes de la época. Algunas de sus obras son rechazadas por el naturalismo con que aborda los pasajes bíblicos, pero no faltan los mecenas laicos dispuestos a adquirir de buen grado aquellos cuadros que el clero no ve con buenos ojos.
A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del artista: los retablos de la capilla Contarelli de San Luigi dei Francesi y de la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La vocación de san Mateo y El martirio de san Mateo el primero, y La crucifixión de san Pedro y La conversión de san Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción dramática, muy estudiadas desde el punto de vista compositivo y en las que se obtienen resultados espléndidos con una gran economía de medios.
En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma, adonde, muy a su pesar, nunca pudo volver. Murió cuatro años después en una playa solitaria, aquejado de malaria. En esta última época había pintado algunas obras en las que su dramatismo característico dejaba paso a una gran serenidad.

Y yo añado…. Lo que mas me sorprende de Caravaggio es, que habiendo roto los moldes establecidos en los cuadros religiosos, así todo fue capaz de vender sus cuadros a muchos eclesiasticos. Y mesplico un pukito mejor:
El Caraculo este… perdon… Caravaggio, eliminó en su obra ese “aura” divina, ese misticismo Renacentista, Manierista…. E incluso de los grandes clasicos griegos. Vistio a la virgen… y tos los santos con ropajes comunes, sin los típicos ornamentos ostentosos que tan en boga se encontraban por su época. Tambien les hizo la “estetica”, las caras retratadas pasaron a ser comunes, normales, incluso grotescas. Se ha llegado a pensar que sus personajes retratados, en muchos casos, fueron sacados de burdeles y tabernas, lugares muy frecuentados por el susodicho.

Es decir, el joio rompio los moldes establecidos, y en un momento dificil para hacerlo y continuar vivo y en el candelero como el lo estuvo. De ahí su gran merito, no solo como pintor, sino desde mi humilde punto de vista, sino por atreverse a plasmar su Genialidad..... y quedarse tan pancho.... lerele.

Y yata… ea, espero no haberles aburrio demasiao .

Y como ejemplo, observen las grandes diferencias entre los cuadros anteriores y este por ejemplo, de Van Eyk, cuadro que por cierto, me encantaría comentar en otra ocasión, aunque sinceramente, no tengo bien claro que sea de vuestro agrado.

Leonid Afremov.... Arte en TecniColor

Hace un tiempo, caxarreando en mis horas muertas por la red, encontré unas imagenes que me impactaron, buscaba cuadros que me sirviesen de modelo para luego en mi aprendizaje ir jodiendo esas maravillosas obras.

Me puese a copiar como loko algunas de esas imagenes sin preocuparme siquiera por su autor (imperdonable, lo sé).... y mira por donde que hoy en clases, al tener que comenzar otro de mis "destrozos", enseñé en clase una copia de los cuadros que habia sacado de la red, y la peña se fascinó, varias personas querían una copia de mi copia. Así que, nada más llegar a casa he tenido que buscar y buscar.... y rebuscar para descubrir primero el autor, y esto no lo digan a nadie porfa...... para copiarle nuevos modelos.

El Artista, sí, con Mayusculas, se llama Leonid Afremov, traducido a nombre de culebrón: Leoncio Alfredo.... mi amolllllllllllllll......

En fins... para no comeros más aún la oreja, aquí os dejo un Link de su propia pagina. Espero disfruteis de su obra tanto o más de lo que yo lo hice.

PD: la imagen que acompaña este post es la que me vá servir de modelo para el cuadro que hoy mismo comenzé..... ya os contaré que tal vá.

http://leonidafremov.deviantart.com/gallery/

René Magritte, nada es lo que parece...!!!!

René François Ghislain Magritte nacio un 21 de noviembre de1890 quien fue un pintor surrealista belga.
René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.
Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Nada es lo que parece en su obra. Pintó una pipa y bajo ella escribió: «Esto no es una pipa». Años más tarde volvió a pintar otra con la inscripción: «Esto sigue sin ser una pipa». René Magritte creó un universo fantástico donde conviven hombres con bombín, manzanas con antifaz, aves que se transforman en hojas... Logró que fuera noche y día al mismo tiempo y dio forma de pájaros y mujeres al cielo, ese magnético cielo Magritte de un azul intenso, cubierto de nubes, que se ha convertido en su seña de identidad, pero que ayer no lucía en Bruselas.

Su original y personalísimo mundo está plagado de imágenes tan bellas y sugerentes como extrañas. A René Magritte, el hombre del bombín, le gustaban las adivinanzas que no se podían resolver, los misterios inexplicables. «No hay respuestas en mis pinturas -decía-, sólo preguntas». Tanto él como su obra son un enigma. Para tratar de resolverlo, aunque se fracase en el intento, lo mejor será visitar el nuevo Museo Magritte, que el 2 de junio abrio sus puertas en un rehabilitado edificio del siglo XVIII, el palacio Altenloh, en pleno corazón de Bruselas. Se ha concebido a semejanza de los museos dedicados a Van Gogh y Klee en Amsterdam y Berna, respectivamente.

Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de Marzo de 1912 su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. Éste no fue su primer intento, ella lo había intentado por años, obligando a su esposo Léopold a encerrala en su dormitorio. Un día ella escapó y estuvo perdida por días. Más tarde fue descubierta, muerta, río abajo. De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado esa historia. La imagen de su madre flotando, su vestido obscureciendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo Les Amants, pero a Magritte le disgustaba esta explicación.

Tras es suicidio de su madre en 1912 se trasladó a Charleroi, donde estudió el bachillerato y se entusiasmó con las películas de Fantomas. Cursó estudios en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920 junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio.

1922 se casa con Georgette Berger, una amiga de su juventud, quien le sirve de modelo.
Ve reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de De Chirico.
En obras como La túnica de la aventura (1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa.
En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París.

En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.
En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.
En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe, cuestionando la realidad pictórica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.
Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.
A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.
En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.

Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.
Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.
Durante el año siguiente viaja a Israel.

Muere en Bruselas un 15 de agosto pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

Con su museo, Magritte regresa a Bruselas, su ciudad más querida: estudió en su Academia de Bellas Artes, allí expuso en solitario por primera vez, se casó con Georgette, pasó sus últimos 37 años y murió en 1967.

.

.

.

Se acuerdan de la película Thomas Crown Affair? Yo no se nada de arte, pero desde que vi esa película me llamo mucho la atención el cuadro de Rene Magritte que sale en ella.
Mas aun cuando en una de las escenas finales el museo se llena de hombres con bombines y todo se vuelve muy surrealista. Busque un poco y me informe, tenia tiempo con ganas de traerles lo que había buscado, aquí lo tienen espero que les guste.
Afrodita.